艺术是否为了迎合大众而存在的或者说应不应该迎合大众( 二 )


19世纪末20世纪初以后期印象派为开端,涌现出了各种纷繁复杂的艺术流派则使得艺术的内在统一性趋向模糊。从后期印象派、立体主义、达达主义、超现实主义直至抽象表现主义,整个西方现代主义艺术尤其是以绘画为代表的造型艺术,颠覆了一切传统的权威的艺术创造观念,以一种缺乏完整叙事的诸种断裂与孤立的形式出现在公众面前。正如凯瑟琳·库赫在论现代艺术的特征时所说,“在我们这个时代,艺术的特征表现为如下方面:破碎的外观,凌乱的色彩,零散的构图,消解了的形与破碎了的形象……在过去的100年中,艺术的每个部分都被分解了———色彩,光,颜料,形,线条,空间,画的表面和布局。十九至二十世纪绘画风格变化略览
艺术是否为了迎合大众而存在的或者说应不应该迎合大众

印象派奠基人《草地上的午餐》1862-1863-爱德华·马奈(édouardManet,1832.01.23-1883.04.30)
艺术是否为了迎合大众而存在的或者说应不应该迎合大众

莫奈作品《干草堆》拍出8144.75万美元-1891艺术是否为了迎合大众而存在的或者说应不应该迎合大众

【立体主义】《埃斯塔克的房子》1908乔治·布拉克艺术是否为了迎合大众而存在的或者说应不应该迎合大众

达达主义著名作品《波兰骑士》马克斯·恩斯特-1954显然,艺术的“纯粹性”上就仿佛出现了审美极端即——艺术的“纯粹性”是传统艺术形式的反叛,而催生的新事物,还是在“形式主义”上的一场“大秀”呢?
对艺术的纯粹性的观点
1.康德:
美的艺术是这样一种表象方式,它本身是合目的性的,并且虽然没有目的,但却促进着对内心能力在社交性的传达方面的培养……审美的艺术作为美的艺术,即是这样一种把反思判断力而不是感官感觉作为准绳的艺术。毫无疑问,康德对于艺术的纯粹性虽然没有直观的评述,但是其对于审美的表述来看康德将艺术的纯粹性建立在理性主体的认识能力之上的,这种理性认识事物的纯粹不是艺术的内部,而是艺术的外部!
2.格林伯格
克莱门特·格林伯格(ClementGreenberg,1909-1994),美国重要的艺术批评家之一。他总结出绘画“平面性”的本质特征,构建现代主义理论体系,为现代主义艺术提供了理论根基;他将美国的抽象表现主义艺术家推向公众,促使美国艺术取代巴黎成为艺术中心。格林伯格用纯粹性来确立现代艺术的标准,是因为他认为现代艺术的规定性不是来自于艺术之外的它者,而是艺术内部的形式,正如现代绘画不是为了让人们通过它去辨识绘画之外的表象世界的空间,而是观照色彩、线条等媒介语言所构成的艺术的纯粹性真实。对照两位的观点我们不难得出:在艺术的纯粹性的认知中,纯粹的来源划分是争论的焦点,核心分歧就是来源于艺术本身还是艺术外部的问题。
我也认同,我们日常用语中“纯粹”这个词,往往意味着不掺杂别的与我们谈及事物无关的东西,以此来干扰个人审美判断和价值取向。
日常化的用词含义确实不等同于艺术学理论的概念,但是究其根本——深究艺术纯粹性的学理意义十分有助于我们理解当下艺术作品是不是所谓“纯”或者“不纯”。
那么既然是艺术作品,无论影视、戏剧、文学等作品它一定是人的能动性产物,既然是人的思维或者体力的结合产物,那么掺杂人的个人属性是避免不了的。不仅仅是艺术家或者艺术工作者的个人情感,甚至包含了其所接受的教育、文化、宗教、认知等诸多因素,所以纯粹的艺术作品很可能不是艺术家一个人决定的。例如梵高,梵高的艺术作品在其生活的时代称不上是“纯粹”的艺术作品,这和那个时代整体认知有着密不可分的联系的。所以,这里的“纯粹”要实现起来是着实不易。不仅如此,艺术作品的内部要充沛着人文关怀,彰显出艺术家深刻的世界认知,形式上还要着手于“新”,并且能达到“新而不怪”的状态。
其次就是关于形式与内容间的辩证关系,我是学表演学出身的,斯坦尼曾经也论述过“纯粹”的表演应该是什么样的。表演虽不是完整独立的艺术作品,但是依托于戏剧、影视等各个艺术样式我们姑且可以拿来一谈。斯坦尼在晚年时,曾提出过“心理-形体”结合的表演方法,力求将表演转化为由内而外的专业技能。斯坦尼提及,无形式的内容,当然也无内容的形式。当下纯粹走形式的“艺术”样式,其实已经算是较少的。当然,这里要求得是创作者创作的作品具有“艺术性”。不然,某些短视频平台流传的众多“扭腰、弄姿”的“作品”就是艺术了?显然不是!

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